「Tunnel Of Love」可能超乎樂迷原本的期待，不過它不失為了解他感情世界的途徑。雖然主題是男女愛情的探索，但不同於一般情歌的濃情蜜意，他著重在愛情關係的互信基礎建立，這或許是他實際生活的寫照，在經歷過挫敗的婚姻後，唱這些歌時，讓我感到當時的情景，仍然清晰在眼前。

“Tunnel Of Love” 唱到的熱戀男女，表面上看起來是甜蜜的，但心裡真的感到充實嗎？Bruce Springsteen的內心，對愛情充滿著疑慮害怕，這個主題在專輯內一再出現。

我個人很喜歡 “One Step Up”，他唱到愛情對錯的大哉問，再多的爭執能解決什麼嗎？一個讓人困擾許久的簡單問題。“Tougher Than The Rest”也很好聽，女人挑選男人的條件是什麼？金錢、長相、口才、還是真心？容易得到的往往容易失去，我希望我的兩個女兒，也能明白這個簡單道理。

Bruce Springsteen在“Ain’t Got You”中，以簡單吉他唱出，真愛才是他最大的財富，這首歌強調人聲的表現，他時而低吟又時而吶喊，恰如其分的表達出男人在情場上失意的滄桑心情。我覺得「Tunnel Of Love」就是一張唱給中年男人的作品，實在深得我心。

儘管它整體的銷售成績比不上”Born In The USA”，我反而比較常聽這一張。在這之後，Bruce Springsteen陷入了低潮，作品成績都不怎麼的理想，直到2002年的「The Rising」的浴火重生，讓我又想起他在“No Surrender”的歌詞，“…No Retreat, No Surrender…”。

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The New Seekers唱的 ‘’I’d Like to Teach the World to Sing (In Perfect Harmony)‘’，正是傳達出一個幸福和諧的和平景象，百分百命中我的心中想像。

這首歌的發想，是來自可口可樂在1971年的廣告曲“Buy The World A Coke”，因應當時社會對越戰結束後的和平訴求。

這首出名的廣告歌，也是被同年的原唱Susan Shirley 的”True Love and Apple Pie” 所啟發，一炮三響，好歌永流傳。

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其中絕大多數都是電子樂器聲響，少有人聲及歌詞，再加上看不懂的歌名，你聽Aphex Twin的作品，真的要有些想像力，要不然就悶了。

所謂Ambient音樂是一種情境音樂，根據Ambient實驗宗師Brian Eno表示，其實它是一種電子聲響的串聯，聽起來有些空間飄浮的感覺，而且會重覆出現到，你若是不注意它，可能會忽略它的存在。

Aphex Twin的音樂嚴格說起來，是以Ambient作為基礎，再加入幾條同時進行的聲音，例如機器碰撞聲、Bass聲、鼓聲、鍵盤聲、以及多種形容不出的聲音。它們按照既定的節奏進行，有些是緩慢深沉的曲子，有的是舞曲節奏，所以它不會無聊到讓你想關掉音樂，倒是想睡覺時可以試試看，還蠻管用的(我現在就是這樣做，真的有效)。

“Selected Ambient Works 85-92”充滿著各樣天馬行空的聲響，我覺得很難將它歸類在那一類型的音樂，可能只有整天窩在臥房的自閉患者，才能作出這種音樂(後來聽習慣了，也就不覺得有什麼奇怪)。

Aphex Twin證明一件事，在搖頭電子舞曲當道的90年代，還有一些別的選擇，我對此欣然接受。

“Tha” – 長達九分多鐘的作品，有著工業聲響、低沉鍵盤聲…..多種聲音的綜合體，我感覺有點像在一個陰暗的老舊廠房，神秘的事情正在進行著…..

“Ageispolis” – 時而清脆悅耳、時而低沉的鍵盤聲，配上像Soul To Soul類型的R&B節奏，難以形容的感覺。

“Schottkey 7th Path” – 我個人認為，它應該適合用在偵探警匪的劇情片中，既有點懸疑，也有點震撼。

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那年的排行榜常會看見Madonna、WHAM！、Phil Collins及Tears For Fears的名字，同時期也出現了好幾位優秀的新人，像Simply Red及Bruce Hornsby…等等，Whitney Houston也是其中之一。她初試啼聲的同名專輯，讓大家眼睛為之一亮，漂亮的外表加上美聲唱法，讓她首次出輯就有三首冠軍單曲“How Will I Know”、“Saving All My Love For You”、“Greatest Love Of All”，再加上一首Top 3單曲“You Give Good Love” (好多”Love”喔…)，專輯也是佔據冠軍寶座一段時間，真是風光。

Whitney Houston的母親Cissy Houston也是一位藝人，在耳濡目染之下，Whitney會走上表演這條路，不令人意外。我覺得Whitney Houston在眾多黑人女歌星當中，像是Mariah Carey、Janet Jackson或Toni Braxton，算是中庸集大成的一位，除了本身聲音很有質感外，她既可以唱動感舞曲(如“How Will I Know”)，也可以唱抒情曲(“Saving All My Love For You”)，要用R&B唱腔來大秀歌藝也沒問題(翻唱Dolly Parton的“I Will Always Love You”)，到後面又去拍電影，全方位的發揮空間。

今天要分享的“Greatest Love Of All”，是我最喜愛她的一首曲子，Whitney Houston唱起來自帶光芒。她唱到要學習珍愛自己，按照自己的信念生活下去，這就是世界上最崇高的愛。我每次聽完都能受到一些激勵，增添奮鬥下去的動力。

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大家都知道Fugees是後來翻唱的，其實Roberta Flack也是翻唱人，原唱是Lori Lieberman，她還是這首歌的創作者之一（歌詞是她創作的），但是並沒有唱紅這首歌，倒是其他的兩位翻唱者，都憑著這首歌走紅了…)

歌名裡面提到的”His Song”，是Lori Lieberman是去聽Don McLean演唱會，當他唱到”Empty Chairs”時，Lori有感而發，立刻拿出身邊的餐巾紙，當場寫下的一首詩…

這也太神奇了吧?!

我覺得Lori Lieberman唱的很好，長髮少女自彈自唱的畫面，更加貼近我一開始聽到這首歌的想像。

除了Lori版，我還找到Don McLean 唱”Empty Chairs”，在演唱之前提到Lori Liberman創作此曲的故事，而她也在台下聆聽的MV。還有Roberta Flack和Fugees同台合唱的珍貴片段，我們一起來欣賞。

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把黃色放在歌詞或歌名的情況(針對比較有名的），我記得Beatles的”Yellow Submarine”，還有Bruce Springsteen的”Born In The USA”其中一句，被送到國外去殺黃種人的歌詞，大概只有這樣。

我查了一下，原來不是主唱Chris Martin特別喜歡黃色，也不是講誰誰誰愛上一個亞洲女孩的故事，單純就是”Yellow”這個字的發音，很適合放在這首歌，大家別想太多啦…

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究竟她有怎樣的神奇魔力呢？我想大家耳熟能詳的單曲 「Don’t Know Why」，先幫了她一個大忙。這首曲子的MV有點模糊不清且昏暗的場景，看到Norah Jones彈著鋼琴淡淡唱著‘…I don’t know why I didn’t come…’，散發出一股純真又有些憂鬱的氣質，讓我全神貫注，一股想繼續聽下去的情緒湧上了心頭，只記得我埋怨曲子太快的結束。

「Come Away With Me」沒有當時正在流行的新潮 Hip Hop，也沒有電子樂器的衝擊力道，它只是默默地作好本分，想不到這就是聽眾最想要的，不花俏也不標新立異，有種貼近心靈的單純感覺。

Norah Jones的音樂能讓我舒緩下來，彷彿全世界就要靜止下來的氛圍，它瀰漫在「Come Away With Me」的各個角落。除了「Don’t Know Why」以外，像是「Feeling The Same Way」、「I’ve Got To See You Again」、還有「One Flight Down」…等等，這些曲子都讓我深深地陶醉，很難形容這種迷人的情境。

在你感到有點煩燥失意時，它會給你安撫的力量。

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與同樣來自英國Bristol的Massive Attack及Tricky一樣，在90年代初期，Portishead是公認的Trip-Hop風潮之開路先鋒。這類型創新的電子音樂有著冷調深沉的氣質，也有點幽浮的空間感，它給我一種幻覺，而Portishead的作品是個中的翹楚，我聽起來覺得最恐怖。

Portishead藉由Geoff Barrow出神入化的鍵盤編曲及取樣，搭配著女主唱Beth Gibbons刻意(或她是天生的？那就更令人毛骨聳然了)營造出鬼影幢幢的蒼白唱腔，我只能說這兩位是個絕配，他們詮釋這類型的音樂再也合適不過了，將Trip-Hop這種小眾另類的電子音樂，慢慢的讓樂迷接納，而不再僅只限於實驗性質。

「Dummy」整張專輯風格一致，就是陰森森的，真不知Portishead那來那麼多的“鬼點子”？改天試試看在關著燈的房間裡面，放大音響的低音到底，測試自己的膽量有多少。

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「Abbey Road」是他們錄製的最後一張專輯，它對我產生著特殊的紀念意義，不單單是專輯名稱(使得Abbey Road錄音室，變成樂迷和旅客們的朝聖地)，還有它的封面及音樂本身，不管從那一個面向，你都能說出它是經典的理由。

有趣的是，這張專輯的前半段收錄了「Come Together」、「Something」、「Octopus’s Garden」及「Here Comes The Sun」等好聽的單曲，而後半段卻是呈現一連串簡短組曲的形式，感覺某些程度上，承襲了先前「Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band」的概念性想法，據說這是因為John Lennon及Paul McCartney兩人，對這張專輯的製作理念不同，最後才決定出來的折衷方案，那就是每個人的主張都採納進去，一人一半，互不衝突。若撇開這一類的恩怨八卦不談，「Abbey Road」前後兩種的不同風貌，聽起來的確是有種新鮮感。

Beatles以John Lennon及Paul McCartney負責大部份的詞曲創作，向來是他們的主要創作模式，這種默契到了中後期的「Revolver」，首先由George Harrison貢獻了「Taxman」及「While My Guitar Gently Weeps」，他的創作才華瞬間讓人耳目一新，「Abbey Road」更是順勢收錄他的「Something」及「Here Comes The Sun」，這兩首歌各有不同的風情，頗有配角一躍成為主角的態勢。

始終沉默的鼓手Ringo Starr，先是在「White Album」貢獻了一首「Don’t Pass Me By」，在「Abbey Road」更是納入「Octopus’s Garden」，這首描述海底童話世界的曲子，曲調聽起來怡然自得，十分容易被接受，它或多或少也反應了他的心境。以上的這些曲子都不落俗套，比起Lennon / McCartney的組合並不顯得遜色。這也是Bealtes首次出現，在同一張專輯內，四位成員都有自己的作品，是否當作解散前的一個巧妙安排呢？

專輯的開頭曲「Come Together」，立刻讓我注意力集中了起來，低沉的Bass，加上John Lennon刻意處理成有模糊距離的聲音，很有藍調的草根粗曠感。Paul McCartney寫出了輕鬆俏皮的「Maxwell’s Silver Hammer」，還有唱腔狂放激情的「Oh！Darling」，屬於風格迥異的水準之作，

反倒是後半段的組曲，這部分除了提到與唱片公司之間的財務糾紛，進而衍生出來的歌詞內容，以及運用「You Never Give Me Your Money」和「Carry The Weight」的重複旋律，來強調出他們前後一脈相連的屬性之外，我聽起來並沒有什麼強烈的感覺，像是品嘗美味的大雜燴。

1970年Beatles解散時，四個成員都只是三十歲不到的年輕人，堪稱英雄出少年的典範。對於他們或是全世界來說，回首過去的這十年，將會是後人久久傳頌的光輝歷史。

Come Together

Oh！ Darling

Something

Here Comes The Sun

Octopus’s Garden

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我喜歡John Lennon的這首〔Starting Over〕，曲調有點老派輕快，歌詞寫得直接坦白，內心尋求情感的新出口，重新來過的念頭，不言可喻。

這首歌在1980年10月發行，John Lennon就在12月被槍殺身亡，中間只隔了一個多月，沒機會再重新來過了。你永遠不知道，明天會發生什麽事，每次想到這裡，我就會努力生活個幾天，然後又恢復原狀，繼續無所事事。

這篇文章 John Lennon「(Just Like)Starting Over」 最早出現於 Vince帶路尋好房。